Giovedì 8 settembre 2011 al Teatro Fraschini si è tenuta la serata di presentazione al pubblico della Stagione 2011-2012 che era stata presentata al mattino alla Stampa. La sala del teatro si è lentamente riempita dei molti appassionati che attendono ogni anno di conoscere le nuove posposte e che non vengono mai delusi, come anche quest'anno con tanti e fitti spettacoli per ogni genere musicale e teatrale. Spettacoli tanto fitti da coprire intere settimane senza interruzioni.

Una stagione che sarà dedicata al ricordo di un giornalista scomparso recentemente, Franco Cornara (nella foto), che ha sempre seguito il mondo della cultura con passione e profonda conoscenza.

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Nato a Pavia nel 1947 e ivi deceduto nel maggio 2011, Francesco Cornara si è laureato in Giurisprudenza nell’anno accademico 1971/1972 presso l'Università di Pavia discutendo la tesi “Problemi processuali penali in tema di diritto cinematografico”.
Già nel 1968 aveva iniziato la collaborazione come pubblicista nel 1968 con “Il Giornale di Pavia” e con “Il Ticino”, rivelando fin d’allora nei suoi scritti l'intensa passione per le arti dello spettacolo che ha poi coltivato costantemente.
Negli ultimi trent'anni ha collaborato assiduamente e fino all’ultimo con il quotidiano “La Provincia Pavese”.
Intensa è stata anche la collaborazione con il Teatro Fraschini di Pavia per la redazione dei programmi di sala in tema di danza e prosa.
Ha curato inoltre numerose rassegne cinematografiche promosse dall’Assessorato alla cultura sia del Comune che della Provincia di Pavia e ha insegnato per qualche anno Storia della danza all’Università della Terza età.
Come si è espresso “La Provincia Pavese” in un commosso ricordo a lui dedicato all’indomani della sua prematura scomparsa, il suo è stato “un richiamo fatto di incanto del teatro, di fascino del cinema, della bellezza della danza, dell’emozione di una musica”.
La moglie Raffaela Andreatta, di origini trentine, e la figlia Stefania hanno voluto donare le pubblicazioni della sua biblioteca personale alla Biblioteca comunale di Trento, le cui collezioni si sono così ulteriormente e significativamente arricchite in questi settori.

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La parte dedicata alla Lirica in collaborazione con il Circuito Lirico Lombardo presenta RIGOLETTO di G.Verdi il 13 e 15/10, I PURITANI di V.Bellini il 28 e 30/10, IL BARBIERE DI SIVIGLIA di G.Rossini il 24 e 26/11, IL CAPPELLO DI PAGLIA DI FIRENZE di Nino Rota il 9 e 10/12 e ROMÉO ET JULIETTE di C.Gounod il 20 e 22/01. Titoli famosi e altri al margine del repertorio ma di grande bellezza come I Puritani poco rappresentato in quanto richiede artisti di altissimo livello o Cappello di Paglia che è in omaggio al centenario della nascita di N.Rota. L’allestimento prodotto a Pavia sarà il Barbiere che “promette di essere innovativo”.
La stagione di prosa vuole essere “leggera ma facendo riflettere”; vi troveremo diversi nomi importanti della scena contemporanea Silvio Orlando in IL NIPOTE DI RAMEAU (21 e 33/10), Marco Paolini in ITIS GALILEO (13,14,15/01), Luca De Filippo in LE BUGIE CON LE GAMBE LUNGHE di Eduardo De Filippo (14,15,16/02), Paolo Bonacelli in IL MALATO IMMAGINARIO di Molière (28,19/02,1/03), Laura Marinoni in UN TRAM CHE SI CHIAMA DESIDERIO (30,31/03 e 1/04); RACCONTO D’INVERNO di Shakespeare con Ferdinando Bruni, Elio De Capitani (31/01 1,2/02). Michael Frayn, autore di Rumori fuori scena con DUE DI NOI (9,10,11/03) accanto a testi che faranno riflettere come MIA FIGLIA VUOLE PORTARE IL VELO di Sabina Negri e ART di Yasmina Reza, PER NON MORIRE DI MAFIA di Pietro Grasso.
Troveremo l’affascinante Stefano Accorsi il 17/03 con una originale versione di ORLANDO FURIOSO.
Lo spettacolo di capodanno sarà ALADIN il musical, protagonisti Flavio Montrucchio e Stefano Masciarelli 31/12 e 1/01.
La danza vedrà la presenza del BALLETTO NAZIONALE DELLA GEORGIA “SUKHISHVILI” 15/12; ANTONIO GADES 21/02; BALLETTO DELL’OPERA DI RIGA 22/03; RUDRA BÉJART LAUSANNE 18/04 e EIFMAN BALLET THEATRE di San Pietroburgo 8/05.
Niente più convenzione con Vigevano per la Musica Sinfonica ma per chi autonomamente ci vorrebbe fare un salto al Fraschini sono in arrivo ORCHESTRE DES CHAMPS-ELYSEES con Philippe Herreweghe 24/10; SOWETO GOSPEL CHOIR 14/12; SOLISTI DI PAVIA 21/12; VIRTUOSI DI PRAGA 30/01; POMERIGGI MUSICALI 17/02 e 2/05; URI CAINE 14/03; VIKTORIA MULLOVA 20/03 e WIENER KAMMER ENSEMBLE 16/04.
Il progetto giovani della Scuola del Teatro si concretizza con RISVEGLIO DI PRIMAVERA di Frank Wedekind in scena il 10/01.
Calendario di vendita on line sul sito del www.teatrofraschini.org a partire dal 10/10 per nuovi abbonamenti, prezzi invariati.

Venerdì 23 settembre 2011, ore 21.00
GLI OTTONI DELL’ENSEMBLE DEMETRIO
Direttore Maurizio Schiavo
L’ensemble di fiati ripropone le arie celebri tratte dalle cinque opere in cartellone quest’anno al Teatro Fraschini.

Giovedì 13 ottobre 2011, ore 20.30 (Turno A)
Sabato 15 ottobre 2011, ore 20.30 (Turno B)
RIGOLETTO
Opera in tre atti
Musica di Giuseppe Verdi
su libretto di Francesco Maria Piave
dal dramma Le roi s’amuse di Victor Hugo
Prima rappresentazione Venezia, Teatro La Fenice, 11 marzo 1851

Personaggi ed interpreti
Duca di Mantova Piero Pretti
Rigoletto Ivan Inverardi
Gilda Irina Dubrovskaya
Sparafucile Eugeniy Stanimirov Iossifov
Maddalena Alessandra Palomba
Giovanna Veronica Senserini
Il Conte di Monterone Pasquale Amato
Marullo Mirko Quarello
Matteo Borsa Saverio Pugliese
Il Conte di Ceprano Marian Reste
La Contessa di Ceprano Miriam Artiaco
Paggio Bianca Tognocchi
direttore Marco Guidarini
regia Massimo Gasparon
scene, costumi e light designer Massimo Gasparon
Maestro del coro Antonio Greco
Coro Circuito Lirico Lombardo
Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano

Nuovo allestimento
Opera rappresentata con sovratitoli

Coproduzione dei Teatri del Circuito Lirico Lombardo
Teatro Fraschini di Pavia, Teatro Grande di Brescia, Teatro Ponchielli di Cremona, Teatro Sociale di Como – As.Li.Co. Fondazione Pergolesi Spontini di Jesi, Teatro dell’Aquila di Fermo

 

Con il primo titolo della Stagione lirica si apre, giovedì 13 ottobre, replica sabato 15 ore 20.30, il cartellone del Teatro Fraschini di Pavia ed il titolo scelto è una delle opere più popolari di G.Verdi “Rigoletto”. Giunto a popolarità ancora maggiore vista le recente impresa realizzata girandolo “nelle ore e nei luoghi” con un Rigoletto come Placido Domingo in un ruolo baritonale e trasmesso in tutto il mondo via etere. Ma se vogliano entrare un po’ più in contatto con le verità dello spettacolo lirico ce lo dobbiamo vedere ed ascoltare in teatro dove dal vivo si possono cogliere tutte le sfumature di una orchestrazione che Verdi sfoggia in quest’opera, con effetti sonori di per se scenografici come l’orchestra in retropalco per il primo atto o con l’incredibile idea di affidare alle voci del coro la creazione dell’effetto della tempesta nell’ultimo atto. Storia di potere e licenziosità, sembra amaramente ricordare i nostri giorni. Il potente Duca di Mantova si porta a letto figlie e mogli dei suoi cortigiani, con assoluto disprezzo di queste e non pago sfoga nottetempo i suoi pruriti sessuali con le prostitute. Ma attenzione siamo a metà ‘800 quando Verdi musica questa storia. “Questa o quella per me pari sono”, “Caro nome”, “Cortigiani vil razza dannata”, “Parmi vedere le lacrime” e “Si vendetta” o “La donna è mobile” sono alcune delle sue arie più famose.

NOTE A CURA DI MARIATERESA DELLABORRA Affascinato dal soggetto di Le roi s’amuse di Victor Hugo, fulminato quasi dal carattere del protagonista Triboulet, Verdi nel 1850 intrattenne sull’argomento una fitta corrispondenza col librettista di fiducia Piave, esaltando i pregi di questo titolo che, grazie al «soggetto grande, immenso» si sarebbe imposto, secondo la sua opinione, come una delle più grandi creazioni del teatro di tutti i paesi e le epoche. Il suo entusiasmo fu però mitigato dalla censura di Venezia, piazza alla quale l’opera era predestinata, che intervenne drasticamente e proibì per «ributtante immoralità e oscena trivialità» la storia del brutto e gobbo Triboletto e della sua maledizione. Piave si fece carico di trattare con la Polizia e, dopo una laboriosa trattativa, riuscì a strapparne il consenso, promettendo di «variare luogo ed epoca all’azione», ma conservando al libretto «le tinte e i caratteri originali». E così si riuscì a siglare l’accordo «per l’infernale Rigoletto» e Verdi si mise al lavoro chiedendo a Piave continue modifiche di versi e riservandosi di strumentare la partitura solo negli ultimi giorni prima del debutto. Dalla corte francese di Francesco I, la vicenda si ambientò a Mantova, dove un non meglio precisato duca spadroneggiava, ma la figura chiave del gobbo buffone rimase. E su questi il musicista si concentrò, esaltato dalla dualità del ruolo, in cui deformità e volgarità esteriore contrastavano con passioni delicate e animo sensibile. Il risultato musicale fu di estrema novità da un lato grazie al valore programmatico dei preludi strumentali in grado di suggerire una situazione drammatica senza definirla e agli effetti inediti creati dall’orchestra interna, dall’altro attraverso le figure di Rigoletto, del duca e di Gilda. Rigoletto non è un oppresso o un umiliato, ma un infelice e un frustrato. Musicalmente manifesta tali stati d’animo forzando i limiti delle forme tradizionali e intonando quasi in modo recitato alcuni passaggi fortemente drammatici nei quali si innestano parentesi emotive di intenso abbandono sentimentale. La personalità del duca è quasi equivoca: il suo fascino consiste soprattutto nell’estraneità che riesce a mantenere durante l’evolversi della storia. È coerente con se stesso, è impermeabile alla commozione, anche nei momenti che sembrerebbero più intensi pateticamente. Gilda rimane dietro le quinte per tutta l’opera, mantenendo un atteggiamento un po’ infantile e insicuro, finché nel terzo atto prende l’iniziativa e si rende responsabile della tragedia. La sua vocalità di soprano leggero dapprima appare un poco leziosa e solo alla fine, nel quartetto del terzo atto, si definisce e si precisa in uno specifico carattere. Gli altri personaggi vivono in funzione dei tre principali da Sparafucile, a Maddalena a Monterone. La rappresentazione veneziana (l’11 marzo 1851) fu accolta da un successo irrefrenabile che ebbe conferma nella ripresa scaligera del gennaio 1853. Non soltanto il pubblico, ma anche la critica fu concorde nell’evidenziare la novità dell’opera legata sia alla stranezza del soggetto (il grottesco come fonte di bellezza) sia alla modernità della musica, dello stile e della stessa forma dei pezzi. Si parlò di uno stupendo lavoro di strumentazione - «quell’orchestra ti parla, ti piange, ti trasforma la passione» - e si comprese come lo stile di canto si discostasse da quello usato sino a quel momento perché mancava dei grandiosi pezzi d’assieme, fatta eccezione per il quartetto dell’ultimo atto, vertice di realismo drammatico. Lo stesso Victor Hugo, in generale ostile a Rigoletto, ne rimase profondamente colpito e affermò che se gli fosse stato possibile esprimere i vari sentimenti dei singoli personaggi con la stessa simultaneità concessa alla musica, sarebbe stato anch’egli capace di produrre un simile passo di alta drammaticità. In realtà Verdi oltre alla concomitanza di sentimenti, riesce a manifestare qui con assoluta precisione l’attimo in cui nella coscienza si accavallano sensazioni, turbamenti e conflitti di sentimenti e ricordi. Con Rigoletto il compositore bussetano concluse il primo periodo compositivo, coincidente con i terribili «anni di galera», e avviò una seconda fase stilistica creando autentici «drammi per musica» pur mantenendo ancora strutture tradizionali e conservando il carattere del melodramma nazionale fondato sulla vocalità.

Jessica Pratt (Elvira) e Gianluca Terranova (Arturo). foto zovadelli

Angela Nicoli (Enrichetta) e Jessica Pratt(Elvira). foto zovadelli

Personaggi ed interpreti
Lord Gualtiero Valton Luciano Leoni
Sir Giorgio Luca Tittoto
Lord Arturo Talbo Gianluca Terranova
Sir Riccardo Forth Alessio Arduini
Enrichetta di Francia Angela Nicoli
Elvira Jessica Pratt
Sir Bruno Robertson Marco Voleri

direttore Antonio Pirolli
regia Carmelo Rifici
scene Guido Buganza
costumi Margherita Baldoni
Light designer Fiammetta Baldiserri
Maestro del coro Antonio Greco
Coro Circuito Lirico Lombardo
Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano

nuovo allestimento
Opera rappresentata con sovratitoli

Coproduzione dei Teatri del Circuito Lirico Lombardo
Teatro Fraschini di Pavia, Teatro Grande di Brescia, Teatro Ponchielli di Cremona, Teatro Sociale di Como – As.Li.Co.

 

NOTE A CURA DI MARIATERESA DELLABORRA Le trattative per l’allestimento dei Puritani si collocano in un periodo piuttosto travagliato da un punto di vista sentimentale e umano nella vita di Bellini. Nel 1833 di ritorno da Londra, dove aveva fatto rappresentare con notevole successo Pirata, Norma, I Capuleti e soprattutto La sonnambula con Maria Malibran, il compositore preferì fermarsi a Parigi, allora capitale europea dell’opera in musica e, contornato dai successi dei vari allestimenti di altri suoi titoli, intraprese le trattative per un nuovo titolo sia con il Théâtre de l’Opéra che con il Théâtre Italien. Queste si conclusero agli inizi del 1834 e lo indussero alla ricerca di un argomento interessante che iniziò a discutere con il nuovo librettista conte Carlo Pepoli, allora esule a Parigi, avendo litigato furiosamente con il fidato Felice Romani a seguito dell’insuccesso di Beatrice di Tenda. Il soggetto, definito dopo un certo travaglio e derivato dal dramma Têtes rondes et cavaliers di Ancelot e Xavier rappresentato a Parigi per la prima volta nel 1833, liberamente tratto a sua volta da I Puritani di Scozia di Walter Scott, fu descritto minuziosamente e con un certo entusiasmo da Bellini in una lettera alla famiglia e, dopo un anno di inattività, il musicista riprese la composizione. Molti in corso d’opera furono i ripensamenti, i cambiamenti apportati al testo e ancora a pochi giorni dalla prima, fissata per il 24 gennaio 1835 al Théâtre des Italiens, Bellini nutriva dubbi su alcune questioni drammaturgiche. Era ben consapevole che l’esito della rappresentazione dipendeva prevalentemente dalla musica («ho scritto musica per due opere») in quanto il libretto era solo «un eccellente pasticcio»: presentava una serie di situazioni staccate tra loro e mancava di uno svolgimento drammaticamente attendibile. Se voleva che il dramma per musica riuscisse a «far piangere inorridire, morire cantando» il musicista avrebbe dovuto creare unità nella vicenda allineando una successione di pezzi chiusi. Nei Puritani, dove manca l’azione, vivono i personaggi-chiave, i ruoli ben noti del melodramma italiano: la donna che impazzisce per un evento inaspettato; l’amato appassionato e valoroso; il deluso che deve rassegnarsi; la figura paterna del consigliere. Tuttavia il colore, l’atmosfera in cui essi agiscono, sono del tutto nuovi. Lo stesso Bellini lo precisa: «posso dire il fondo essere del genere come La sonnambula e la Nina di Paisiello, aggiunto a del militare robusto ed a qualche cosa di severo puritano». Forse con quest’ultimo termine l’autore si riferisce all’orchestrazione decisamente ampliata in cui sono usati strumenti (corni, trombe, tamburi) specifici, atti a conferire una veste marziale. Già l’introduzione assai articolata, la più complessa che il Catanese abbia scritto, presenta diversi cambiamenti di metro e di atmosfera, ma il materiale tematico ha una sua unità. A completamento dell’introduzione si succedono un primo coro, il quartetto da dietro le quinte e un festante coro conclusivo. A questo punto i singoli personaggi intervengono sulla scena in modo ben differenziato: Riccardo con una delicata cavatina; Elvira e Giorgio in un ampio duetto in cui l’uomo ha modo di raccontarsi attraverso un cantabile; Arturo atteso da un coro festante, che occupa il terzo quadro, con una cavatina amorosa, «di grande effetto, strumentata con gran gusto» secondo il commento entusiastico di Rossini. Proseguono quindi Arturo e Enrichetta in duetto interrotti dall’intervento solistico vaneggiante, aereo di Elvira, e Riccardo si aggiunge poco dopo per accentuare la concitazione drammatica. Da qui prende avvio il finale primo dapprima con un terzetto e il coro dietro le quinte (che riespone il materiale dell’introduzione) e quindi con una lunga e complessa pagina piena di modulazioni e di slanci drammatici su cui si staglia, senza dubbio, la stupenda melodia «Oh vieni al tempio» che prelude al coro di anatema finale. Delineati così i ruoli dei singoli personaggi, il secondo atto serve dapprima per precisare i contorni della follia di Elvira attraverso il racconto di Giorgio (la famosa “aria della tortora”) con il commento lugubre del coro e quindi per assistere alla vera scena della pazzia «quando ella si crede andare a nozze e al ballo». A questa dolorosa visione succede il duetto tra baritono e basso, uno dei brani più famosi dell’intera opera, che suscita un effetto grandioso, plateale, subito inteso dal pubblico dell’epoca come emblema delle nascenti istanze patriottiche. Il terzo atto attraverso un’ammirevole opera di sintesi e di alleggerimenti, realizzati soprattutto in itinere e dopo le prime rappresentazioni, porta a lieta conclusione la dolorosa vicenda. L’uragano con cui si apre esplicita il drammatico ritorno in scena di Arturo braccato dai soldati di Valton. Quindi l’uomo, cavaliere e partigiano degli Stuart, intona la sua romanza inframmezzata dagli interventi del coro che ricordano motivi già esposti nel primo atto e Elvira si unisce a lui in un duetto molto variato. In un clima lugubre in tempo Andante Elvira riacquista gradatamente la ragione e il clima diviene progressivamente sereno sino al lieto fine in un tempo di Largo maestoso dove sono richiamati i temi dell’introduzione dell’opera. Il melodramma ebbe esito trionfale e lo stesso Bellini ne diede un rendiconto entusiastico alla famiglia e a Florimo, suo futuro biografo, «mi trovo all’apice del contento! Sabato sera è stata la prima rappresentazione dei Puritani: ha fatto furore, che ancora ne sono io stesso sbalordito. Il gaio, il tristo, il robusto dei pezzi, tutto è stato marcato di applausi, e che applausi, e che applausi!» Anche la critica lodò l’opera e fu concorde nel riconoscerne il progresso all’interno del catalogo belliniano. Il compositore, nominato cavaliere della Legion d’onore dal re Luigi Filippo, si mise subito all’opera per adattare la nuova creazione alle scene di Palermo, dove avrebbe dovuto farla rappresentare con la Malibran protagonista. La prima scaligera ebbe invece luogo il 26 dicembre dello stesso 1835. Bellini era morto pochi mesi prima, il 24 settembre. Note di regia di Carmelo Rifici L’ultima partitura del catanese Bellini è considerata da molti un’opera di transizione, un ultimo tentativo dell’artista di muoversi fuori dal suo stile, prima della sua prematura scomparsa. Il musicista, che esprimeva al meglio il suo talento lirico quando puntava al dramma intimo dei personaggi, si trova, in Puritani, a musicare più avvenimenti insieme (quasi tutti posti nel primo atto), ad animare una pittura musicale vasta e movimentata. All’interno di questa grande complessità melodica, il libretto di Carlo Pepoli mostra la sua fragilità. La fuga di Arturo e il suo veloce ritorno, la follia di Elvira e la sua immediata guarigione, ci lascerebbero alquanto perplessi se tutto non si risolvesse nella capacità di Bellini di modellare e manovrare tale materiale. La novità dell’opera sta nell’estremo romanticismo e nella passionalità della drammaturgia musicale, che esplode, misteriosamente, nel trascinante duetto nell’esordio del primo finale, tra Arturo e la Regina Enrichetta, personaggio che a prima lettura appare alquanto marginale. Mi sono chiesto come possa un regista rendere credibile la repentina trasformazione di Arturo, da amante fedele di Elvira a traditore dei suoi stessi prossimi parenti: la ragion di stato, strada spesso battuta nelle messe in scena di Puritani, mi è sempre parsa non bastare. Durante la fase di studio dell’opera ho ripensato alla Maria Stuarda di Schiller (data la mia provenienza dalla prosa) perché anche in quel testo si descrivono due religioni a confronto, anche là si assiste a veloci e inaspettati tradimenti, giustificati solo dal contrasto tra la corruzione e il permissivismo della chiesa cattolica, associato al culto della bellezza e dell’arte e la severa rigidità e austerità della morale della religione protestante. Esattamente ciò che succede in Puritani. L’opera si apre su due grandi eventi: la guerra tra Cromwell e gli Stuart e il prossimo matrimonio tra Arturo ed Elvira, appartenenti alle due differenti fazioni, entrambi gli eventi vivono sotto il segno della religione e della volontà di Dio. Anche se la musica spinge a mostrare soldati, castellani e castellani in euforica concitazione, l’ossessiva ripetizione delle parole Patria, Onore, Santità, ci svelano al contrario una società guidata dalla possente mano di un Dio cupo e vendicatore, una società basata sulla privazione dei sensi, dove l’amore può solo essere divino e mai umano. La stessa Elvira ci tiene particolarmente a sottolineare la sua verginità e il suo casto amore nei confronti di Arturo, pare quasi una bambina a cui manca totalmente malizia e sessualità. Arturo l’ama, vuole sposarla, anche se appartiene al partito nemico, anche se lui è cattolico. Arturo è innamorato proprio di questa totale mancanza di sessualità di Elvira. Quando però in scena appare Enrichetta, egli non può non guardarla con una certa aria di smarrimento, la prigioniera sotto falso nome gli fa perdere il senno, dimentica Elvira e fugge con la lei, dopo aver scoperto che ella è regina di Francia. La decisione di Arturo di abbandonare Elvira potrebbe anche essere giustificata con la Ragion di stato, ma a ben leggere ed ascoltare l’opera, potremmo anche escludere la ragione e ipotizzare una strana e inconsapevole fuga d’amore. Arturo, secondo la mia visione, ritrova in Enrichetta le maniere della sua stessa società, la sua cultura, inoltre ella è spia, è donna d’azione, non è vergine (lo ammette Enrichetta stessa), è appassionata e passionale, ha insomma tutte le doti che mancano alla glaciale ed eterea Elvira, che sarebbe invece sposa perfetta per il romantico e casto Riccardo. Se ne accorge la stessa Elvira, tanto che durante la polacca “son vergine vezzosa” pone il suo velo da sposa sul capo di Enrichetta, come se, inconsciamente, obbligasse Arturo ad una scelta: lei o l’altra. Ed Arturo sceglie Enrichetta, a questo punto Elvira impazzisce. Impazzisce non perché lasciata, ma perché esplode in lei tutta la passionalità finora assopita di donna innamorata e tradita, esplode la vita in un mondo di repressione, impazzisce perché inizia a vivere ferocemente il conflitto tra il desiderio dell’uomo e il senso di colpa inculcato dalla società puritana. Nel secondo atto, durante la grande scena della follia, queste strane affinità elettive sembrano trovare quasi una giusta collocazione, mentre Elvira crede Arturo ed Enrichetta sensualmente accoppiati, si accosta a Riccardo, gli chiede se egli abbia mai amato, lui risponde con chiare metafore. Sotto questo dolente delirio si nasconde un’allusiva seduzione, frenata dalla stessa Elvira che sfugge alla possibile relazione con Riccardo. Il secondo atto finisce con la cabaletta, semplice e ostinata di Giorgio e Riccardo. Anche qui l’allegra cantabilità della marziale melodia nasconde un’unica atroce soluzione all’amore mancato: la guerra. I protagonisti usano la guerra come surrogato dell’amore umano e del sesso. L’opera è pervasa da quest’atmosfera di religione e di morte. Il ritorno di Arturo nel terzo atto avalla maggiormente l’ipotesi. Arturo è uomo d’onore, come Elvira non riesce a corrispondere al sentimento di Riccardo perché fedele alla promessa di matrimonio, così Arturo torna per mantenere la parola data. Durante il fatidico incontro però si ritrova accanto ad un’Elvira trasformata, impaurita sicuramente, a tratti raggiante, ma anche furiosa nel chiedere all’amato un atto di sottomissione. Quando, verso la fine, Elvira sente avvicinarsi le voci dei puritani che cercano Arturo, riconosce nella loro la sua stessa tremenda voce. Affinché la ragione possa ritornare, Elvira rinuncia ad una vita di passioni e chiede il medesimo sacrificio ad Arturo, il quale inconsapevolmente accetta, mentre cerca di difendere se stesso ed Elvira dalla furia vendicatrice dei puritani. Quando alla fine una lettera avverte i protagonisti della sconfitta degli Stuart (quindi anche di Arturo) egli si trova amaramente a festeggiare la guerra persa e il matrimonio raggiunto. Ora è anch’egli è diventato uno di loro. Elvira può di nuovo gioire. Ho deciso di ambientare la vicenda in un palazzo dall’architettura sobria ed austera. Potrebbe trattarsi di una chiesa, ma anche di un cimitero o di un obitorio. Un palazzo nella neve, dove vivono raggelati i sentimenti dei protagonisti. La scena ha un doppio piano, come doppie sono le vite di chi la abita: la vita reale e quella del desiderio, nascosta nell’animo del quartetto (Elvira, Arturo, Enrichetta, Riccardo), e concretizzata sul palcoscenico con l’uso di attori che doppiano i protagonisti. Fantasmi che si muovono sul piano del sogno (la parola sogno ritorna moltissime volte nell’opera) e che chiariscono al pubblico la dinamica del desiderio represso. I costumi sono invece progettati su una rivisitazione dell’epoca, costruiti con materiali plastici che accentuano la natura “costrittiva” del puritanesimo.

(nella foto Omar Montanari che sarà Bartolo)

Personaggi ed interpreti
Il conte d’Almaviva Edgardo Rocha
Bartolo Omar Montanari
Rosina Concetta D’Alessandro
Figaro Marcello Rosiello
Don Basilio Roberto Lorenzi
Fiorello Andrea Bonsignore
Berta Loredana Arcuri
Ambrogio Valerio Napoli

direttore Matteo Beltrami
regia Federico Grazzini
scene Andrea Belli
costumi Valeria Bettella
Light designer Federico Grazzini
Maestro del coro Antonio Greco
Coro Circuito Lirico Lombardo
Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano

Nuovo allestimento
Opera rappresentata con sovratitoli

Coproduzione dei Teatri del Circuito Lirico Lombardo
Teatro Fraschini di Pavia, Teatro Grande di Brescia, Teatro Ponchielli di Cremona, Teatro Sociale di Como – As.Li.Co.

Personaggi ed interpreti
Fadinard Leonardo Cortellazzi (9), Fabrizio Paesano (10)
Nonancourt Domenico Colajanni
La baronessa di Champigny Marianna Vinci
Elena Anna Maria Sarra(9),Manuela Cucuccio(10)
Beaupertuis Filippo Fontana
Emilio Simone Alberti
Lo zio Vezinet Raoul D’Eramo
La modista Silvia Giannetti
Felice Roberto Covatta
La guardia Alessandro Mundula
Un caporale delle guardie Jozef Carotti

direttore Giovanni Di Stefano
regia Elena Barbalich
scene e costumi Tommaso Lagattolla
light designer Michele Vittoriano

Maestro del coro Antonio Greco
Altro Maestro del coro
Diego Maccagnola
Coro Circuito Lirico Lombardo
Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano

Allestimento Fondazione Sinfonica Lirica Petruzzelli e Teatri di Bari
Opera rappresentata con sovratitoli

Coproduzione dei Teatri del Circuito Lirico Lombardo
Teatro Fraschini di Pavia, Teatro Grande di Brescia, Teatro Ponchielli di Cremona, Teatro Sociale di Como – As.Li.Co., Teatro dell’Opera Giocosa di Savona, Teatro Sociale di Rovigo

con Marina Massironi
 

David Mulovhedzi, direttore del coro

http://concertodautunno-cur.blogspot.com/search?q=Soweto+Gospel+Choir

http://concertodautunno-cur.blogspot.com/2011/12/balletto-nazionale-della-georgia.html

Personaggi ed interpreti
Juliette Serena Gamberoni
Stéphano Silvia Regazzo
Gertrude Nadiya Petrenko
Roméo Jean-François Borras
Tybalt Carlos Natale
Benvolio Marco Voleri
Mercutio Mihail Dogotari
Frère Laurent Abramo Rosalen
Paris Francesco Musinu
Capulet Park Taihwan
Le Duc de Vérone Carlo Di Cristoforo

direttore Michail Balke
regia e scene Andrea Cigni
costumi Massimo Poli
Light designer Fiammetta Baldiserri
Maestro del coro Antonio Greco
Coro Circuito Lirico Lombardo
Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano

Allestimento di Teatro Verdi di Pisa, Teatro Alighieri di Ravenna, Teatro Sociale di Rovigo, Centro Servizi Culturali Santa Chiara di Trento

Nuovo allestimento
Opera rappresentata in lingua originale
Sovratitoli in italiano

Coproduzione dei Teatri del Circuito Lirico Lombardo
Teatro Fraschini di Pavia, Teatro Grande di Brescia, Teatro Ponchielli di Cremona, Teatro Sociale di Como – As.Li.Co.
 

TEATRO ALLA SCALA DI MILANO
Esclusivamente per gli abbonati alla Stagione Lirica vendita biglietti dal 3 novembre per lo spettacolo
Don Giovanni di Mozart dell’ 8 gennaio 2012, alle ore 15.00

Calendario di biglietteria 2011/2012

STAGIONE LIRICA
dal 12 settembre al 17 settembre
Prelazione abbonamenti Lirica (turni A e B)
dal 20 settembre all’ 1 ottobre
Vendita nuovi abbonamenti Lirica (turni A e B)
dal 10 ottobre
Vendita biglietti per tutte le opere
dall’ 11 ottobre
Vendita abbonamenti Card Lirica
L'abbonato Card Lirica può scegliere spettacoli e posti per tutte le opere a partire dal giorno successivo all'inizio della vendita dei biglietti. L'attribuzione delle poltrone è vincolata ai posti disponibili.
dal 3 novembre
Esclusivamente per gli abbonati della Stagione Lirica
Vendita biglietti per il Teatro alla Scala di Milano:
"Don Giovanni" di Wolfgang Amadeus Mozart (8 gennaio 2012, h 15:00)

STAGIONE TEATRALE
dal 12 settembre al 24 settembre
Prelazione Prosa (turni A-B-C), Danza, Altri Percorsi, Musica e I Pomeriggi Musicali
dal 29 settembre all’ 8 ottobre
Vendita nuovi abbonamenti Prosa (turni A-B-C), Musica e I Pomeriggi Musicali
dal 29 settembre al 22 ottobre
Vendita nuovi abbonamenti Danza e Altri Percorsi
dal 17 ottobre
Vendita biglietti per tutti gli spettacoli di Prosa, Musica e I Pomeriggi Musicali
dal 18 ottobre
Vendita abbonamenti Card Teatro
L'abbonato Card Teatro può scegliere spettacoli e posti per tutte le rappresentazioni di Prosa e Musica (sono esclusi i concerti de I Pomeriggi Musicali di Milano) a partire dal giorno successivo all'inizio della vendita dei biglietti. L'attribuzione delle poltrone è vincolata ai posti disponibili.
dal 7 novembre
Vendita biglietti per tutti gli spettacoli di Danza, Altri Percorsi e Operetta
dall’ 8 novembre
L'abbonato Card Teatro può utilizzare il proprio abbonamento per tutti gli spettacoli di Danza, Altri Percorsi e Operetta a partire dal giorno successivo all'inizio della vendita dei biglietti.
L'attribuzione delle poltrone è vincolata ai posti disponibili.
dal 14 novembre
Vendita biglietti per San Silvestro 2011 e Capodanno 2012

IL TEATRO CHE RIDE
dal 3 ottobre al 22 ottobre
Vendita abbonamenti "Il Teatro che ride"
dal 7 novembre
Vendita biglietti per tutti gli spettacoli
dall’ 8 novembre
L'abbonato Card Teatro può utilizzare il proprio abbonamento per tutti gli spettacoli de “Il teatro che ride” a partire dal giorno successivo all'inizio della vendita dei biglietti.
L'attribuzione delle poltrone è vincolata ai posti disponibili.

ORARI BIGLIETTERIA

Giorni e Orari di apertura:
- dal lunedì al sabato
- dalle 11:00 alle 13:00 e dalle 17:00 alle 19:00
- La biglietteria apre anche un'ora prima di ogni spettacolo per la vendita dei biglietti relativi allo spettacolo stesso.

Aperture straordinarie (dalle 10:00 alle 13:00 e dalle 16:00 alle 19:00):
- dal 12 settembre al 3 ottobre
- lunedì 17 ottobre
- lunedì 7 novembre
Chiusure straordinarie:
- lunedì 19 settembre
- lunedì 26 settembre
- martedì 27 settembre
- mercoledì 28 settembre
www.teatrofraschini.org